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EL ARTE DE BRIAN BOLLAND

Una vieja y querida amiga mía hace poco me dijo: “¿Todavía haces lo de dibujar?” Siempre que el tema de lo que hago para vivir sale en una plática -generalmente cuando no hay nada más interesante que comentar- siempre comienzan preguntándome si lo sigo haciendo, como si hubiera sido algo eventual que hubiera hecho hasta que encontrar un trabajo de verdad.

Dije: “Sip. Aún lo hago”.
“¿Y qué es lo que dibujas?” continuó ella.
“Mmm… a Batman, Wonder Woman. Principalmente trabajo para Estados Unidos. Judge Dredd para nuestro país en ocasiones. Otros personajes de los que nunca has escuchado”. Siempre inicio dando nombres de personajes que la mayoría de la gente conoce, incluso si no los he dibujado en años.

“¿Y han impreso alguno de ellos? continuó, interesándose un poco en el tema pero aún observando la habitación, buscando si habría alguien más con quien pudiera ella tener una conversación más productiva.
“Todos se imprimen”. Insistí.
“¿Y dónde puedo verlos entonces?” Preguntó. Una pregunta capciosa. Pienso en todos los cómics que he dibujado que están ahora puestos en repisas poniéndose amarillos, las pilas de fotocopias y los folders de plástico con anillas y viejas portadas mías apretujadas en el interior. Pienso en darle indicaciones hacia una tienda en la ciudad donde tal vez haya alguna de mis cosas en la sección de novelas gráficas, pero igual y tal vez no.

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Lo que en realidad me gustaría hacer es buscar en mi maleta deportiva y sacar un grande y pesado libro con una linda portada satinada con las palabras EL ARTE DE BRIAN BOLLAND escritas al frente, atiborrado a más no poder de prácticamente todo lo que he hecho (a la fecha). Ya saben a lo que me refiero. Comenzar con fotografías mías de bebé luciendo adorable. Luego mostrar todos los dibujos que hice de niño, sin importar lo horribles que eran. Unas cuantas fotos más mías con algún ridículo corte de cabello. Y entonces ir a lo bueno. Tiras de cómic de las que la gente haya escuchado. Un montón de bocetos, dibujos a línea, trabajos a todo color. Una buena dotación de texto donde puedo hablar de MI. Y ya que tengo un público tan atento, por qué no añadir  algunas fotos de celebraciones que siempre he deseado compartir con la gente y también algunos dibujos que no me gustaría compartir con algún miembro de la iglesia y que debí haber quemado hace años. Hacerlo parecer como si no hubiera estado haciendo nada todos estos años. Pues bien, aquí está ese libro.

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Tú tienes ventaja sobre mi, amigo mío. Tal vez te encuentres leyendo esto en alguna librería. Puedes evaluar si es un libro con buena pinta o una total porquería. Yo no. Todo en lo que me puedo basar son las imágenes que he visto en la pantalla de mi computadora. Sin embargo, estoy en manos de experimentados editores. Desperado. Image. ¿Qué podría salir mal?
Así, la próxima vez que un amigo mío o algún familiar me pregunte: “¿Qué es exactamente lo que haces, Brian?” Sacaré este libro y diré: “Hago esto”.

Brian Bolland 2006

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Plática con Gerardo Preciado y Daniel Bayliss, autores de THE DEAL

Los mexicanos de Hermosillo, Sonora, Gerardo Preciado y Daniel Bayliss han hecho voltear al mundo entero hacia su trabajo, gracias a su impactante historia The Deal donde Batman y Joker se enfrentan por última vez. Platicamos con ellos para saber más de su obra y lo que podemos esperar en el futuro cercano.

BatmanSu trabajo tiene una gran calidad narrativa, tanto literaria como visual, ¿de dónde vienen y a qué se dedican Gerardo Preciado y Daniel Bayliss para haber llegado a realizar “THE DEAL”?

Gerardo: Nos conocimos estudiando arquitectura en la Universidad de Sonora, desde el primer momento nos pusimos a hacer nuestros propios cómics. Realmente hasta hace un par de años decidimos hacer nuestros propias historias con la idea de hacer una novela gráfica, empezamos con historias cortas para adquirir experiencia, nunca hemos tenido interés por hacer historias de ningún personaje existente, sólo que se me ocurrió la idea de “The Deal”, se la comenté a Bayliss, y en lo que menos pensamos, ya estaba completa. En otra pausa entre nuestras historias salió también la idea para una historia sobre Daredevil, que es mi personaje favorito.

Batman 2A estas alturas todo mundo sabe que hicieron esta historia por el amor y pasión que tienen a los personajes, pero qué es lo que esperaban lograr además de contar una de las más grandiosas historias de Batman de los últimos años.
Gerardo: No teníamos ninguna expectativa porque como te decía, la meta siempre ha sido hacer nuestra novela gráfica, e hicimos nuestras historias de 3-4 páginas para practicar, y una de ellas fue “The Deal”, nos ha sorprendido mucho el alcance que tuvo el cómic, los muchos comentarios positivos, no estábamos preparados para eso, si lo hubiéramos planeado, no nos sale.

Daniel: Definitivamente no esperábamos que llegara a tantas personas, pero sabíamos que causaría alguna reacción en quien llegara a leerla, para bien o para mal. Afortunadamente han sido mas los comentarios positivos. 

Ambos son mexicanos y viven en Hermosillo, ¿porqué contar esta historia en inglés en lugar de en su idioma natal?

Gerardo:
Yo creo que cualquier artista en cualquier campo en que se desempeñe quiere que su trabajo llegue a las más personas posibles, todas nuestras historias son en inglés precisamente por eso.
Además de la historia de ‘THE DEAL’ con Batman y Joker, tienen otra hilarante historia sobre Daredevil; qué otros personajes de Marvel, DC o cualquiera de las independientes les gustaría utilizar para contar una historia y porqué?DaredevilGerardo: Estoy mucho más emocionado en hacer nuestros propios personajes, pero si me dieran a escoger yo creo que sería Dr. Strange o Silver Surfer, creo que son los personajes con los cuales podría contar el tipo de historias que me interesan.

Daniel: Por el momento estamos concentrados en terminar nuestras historias, pero podría ser, tal vez ya que terminemos con éstas.

OesteEn su Blog mencionan que próximamente nos traerán nuevas historias con personajes propios, ¿qué podemos esperar al respecto y cuál es el siguiente paso en su carrera profesional?

Gerardo: Algo de lo que hemos hablado Bayliss y yo es en sacar una recopilación de nuestras historias, ahorita todavía estamos un poco sacudidos por todo lo que pasó con “The Deal”, pero por lo pronto estaremos sacando poco a poco nuestras historias en el blog, son muy variadas, tenemos una de terror, otra mas de ciencia ficción estilo 1950’s, una de vaqueros, etc.

Daniel: Ningún personaje famoso muere en ellas, se los prometemos.

¿Cuál es su opinión sobre el renovado interés del cómic en México gracias a todas las editoriales que están editando no sólo a DC y Marvel, sino muchas otras licencias del cómic independiente?

Gerardo: Me parece excelente que ahora ves cómics por todos lados, cierto están un poco de moda por las películas, pero el fan que compra un cómic de Justice League o X-Men eventualmente puede llevarlo a descubrir obras maestras como Watchmen o The Dark Knight Returns, sinceramente creo que el cómic puede ser tan trascendente como cualquier otro arte, y me emociona que la cultura del cómic en México crezca.

Daniel: Sí, y mucho del interés es gracias a páginas como esta en la que le dan cabida al trabajo de los independientes.

¿Qué artistas y escritores son sus favoritos y qué títulos ocupan sus momentos de lectura?

Gerardo:
Curiosamente yo crecí queriendo dibujar cómics, mi ídolo era John Byrne, ahora mi favorito es Mike Allred. De escritores obviamente Alan Moore pero te diría que la inspiración para mí viene de buscar cosas distintas, mi cómic favorito probablemente sea “I Shall Destroy All the Civilized Planets”, que es un libro de historias de los 1930’s de un autor que se llama Fletcher Hanks, es imaginación pura. Me gusta la idea de leer un cómic que no tengo idea de que se trata, no siempre te va a gustar pero puedes descubrir una joya como la que te mencionaba, o por lo menos leer otra manera de hacer cómics. Si sólo lees los títulos comerciales tus historias no van a ser muy distintas.

Daniel: El primer artista de cómics que causó un impacto en mi fue Erick Larsen, cuando dibujaba Amazing Spider-man. Fue en la primera vez que regresé a las primeras páginas para descubrir quién había dibujado eso!. Después un amigo me prestó una Heavy Metal que le había robado a su hermano mayor, ahí venia una historía de Jodorowsky ilustrada por George Bess,  Anibal Cinq, que muchísimo tiempo después supe que fue un cómic mexicano de los años 60’s.

Si quieren conocer más de su trabajo y seguirles la pista no dejen de visitar su Blog en http://moonheadpress.blogspot.mx/

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GENE COLAN • Un Artista con Colmillo

Eugene Jules “Gene” Colan (1926 –2011) fue un artista estadounidense mejor conocido en la industria por su trabajo para Marvel Comics en títulos como Daredevil, el cómic de culto Howard the Duck y el icónico Tomb of Dracula, que es considerado un clásico dentro del género de horror.

También co-creó personajes como Falcon, el primer superhéroe afroamericano en los cómics comerciales y a Blade, un personaje sobrenatural también afroamericano que años más tarde llegó a la pantalla grande encarnado por Wesley Snipes.

Colan comenzó a dibujar desde los tres años y desde ese momento no se detuvo, en 1944 comenzó a trabajar dibujando cómics de guerra y en 1946 comenzó a trabajar en Timely Comics (que más tarde se convertiría en Marvel) como dibujante de relleno y para 1950 dibujó la portada para el cómic de horror ‘Captain America’s Weird Tales’ #75, en la cual no figuraba el héroe tricolor.

Durante este período Colan dejó de trabajar exclusivamente para Timely y comenzó a realizar trabajos para DC Comics, principalmente cómics de guerra basándose en la experiencia que ya tenía de años atrás donde su trabajo de minuciosa investigación se notaba dentro de sus viñetas.

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Mientras que seguía trabajando de manera independiente para los cómics de romance en DC en los 60’s, Colan hizo su primer trabajo en el género de superhéroes para Marvel usando el seudónimo de Adam Austin. Hizo una historia con el Sub-Mariner para Tales to Astonish y continuó con Iron Man en Tales of Suspense. En este período fue que Stan Lee intentó convencerlo de trabajar bajo contrato con Marvel, y lo consiguió.

Colan volvió a usar su propio nombre y se convirtió en uno de los principales artistas de la Edad de Plata en Marvel, ilustrando personajes como Captain America, Doctor Strange, y al personaje con el que mayormente se le asocia: Daredevil, con el que permaneció por casi 81 números consecutivos (1966-1973).

Junto con su cambio de trabajo en Marvel, Colan también contribuyó con varias historias para Warren Publishing y su línea de revistas de horror en blanco y negro, comenzando con el relato de seis páginas “To Pay the Piper”, escrita por Larry Ivie para Eerie #2 (marzo 1966). En esta y posteriores historias tanto en Eerie como en su publicación hermana, Creepy, Colan también entintaba su propio trabajo. Su última historia para Warren “First Blood” apareció en Eerie #11 (septiembre 1967). La gran mayoría de las historias en las que trabajó con Warren eran escritas por el editor Archie Goodwin, con quien más tarde trabajaría en Iron Man para Marvel.

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En los 70’s Colan ilustró uno de sus trabajos insignia, la serie completa de 70 números del título de horror ‘The Tomb of Dracula’, así como la gran mayoría de los números del título de culto ‘Howard the Duck’, del escritor Steve Gerber.

Acerca de su trabajo en ‘Tomb of Dracula’ Colan recuerda: “Cuando supe que Marvel iba a sacar un título sobre Dracula, me le paré enfrente a Stan Lee y le pedí que me dejara hacerlo. No me puso muchos peros, aunque me dijo que el título ya se lo había prometido a Bill Everett. Así que fue justo en ese momento que decidí hacer una “audición” para el título. Pasé todo un día en casa trabajando en muestras, usando al actor Jack Palance como inspiración y se la mandé a Stan. Ese mismo día recibí una llamada: ‘Es tuyo'”.

En los 80’s Colan regresó a trabajar para DC, donde llevó sus oscuras texturas al título de Batman, siendo su principal artista de 1982 a 1986. Junto con el escritor Gerry Conway introdujeron al villano Killer Croc. En 1987 dibujó los primeros 6 números para la serie que reintroduciría a The Spectre junto con el escritor Doug Moench.

Colan se mantuvo activo ilustrando diversos títulos para editoriales independientes, así como artista invitado en números especiales de varios personajes con los que colaboró en su vida.

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BERNIE WRIGHTSON – Ilustrador Terrorífico

Bernard Albert “Berni(e)” Wrightson (1948) es un artista estadounidense reconocido principalmente por sus ilustraciones de terror y sus cómics macabros.Wrightson recibió su entrenamiento artístico de ver a Jon Gnagy en televisión, leer cómics -particularmente los de EC- así como de cursos por correo de la Famous Artists School. Sus primeras influencias artísticas (y las más duraderas) fueron Frank Frazetta y Graham Ingels.En 1966, Wrightson comenzó a trabajar en el periódico The Baltimore Sun como ilustrador. Al año siguiente, después de conocer a Frazetta en una convención de cómics en Nueva York, se inspiró para producir sus propias historias.En 1968, le enseñó algunas muestras de su arte secuencial al Editor de DC Comics Dick Giordano y le asignaron un trabajo como ilustrador independiente. Wrightson comenzó a firmar su nombre como “Berni” en sus trabajos profesionales para diferenciarse de un clavadista olímpico también llamado Bernie Wrightson, pero más adelante regresó a utilizar la “e” al final de su nombre.

También en 1968 dibujó su primera historia profesional en cómic, “The Man Who Murdered Himself”, que apareció en el título House of Mystery 179 (Marzo-Abril 1969). Continuó trabajando para una gran variedad de antologías de misterio tanto para DC Comics como para la compañía rival Marvel Comics. Fue para los títulos Chamber of Darkness y Tower of Shadows de Marvel donde fue animado a modificar ligeramente su intrincado arte a pluma y tinta, y donde su exhuberante entintado -una insignia en sus cómics durante los 70’s- comenzó a tomar forma.

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Junto con el escritor Len Wein, Wrightson co-creó al personaje Swamp Thing dentro del títuo House of Secrets #92 (Julio 1971) en una pequeña historia de horror situada a principios del siglo XX. En el verano de 1972 publicó Badtime Stories, una antología en cómic de horror/ciencia ficción que contaba con sus propios guiones y arte (de 1970-71), cada historia fue dibujada con una técnica diferente (tinta, lápiz, papel a dos tonos, pantallas tramadas, etc. junto con trabajo a tinta y pluma, y pincel).

Wrightson y el escritor Marv Wolfman co-crearon a Destiny en Weird Mystery Tales #1 (Julio-Agosto 1972), un personaje que más tarde sería utilizado en el trabajo de Neil Gaiman. En el otoño de 1972 Swamp Thing regresó con su propia serie, situada en la época actual y dentro de la continuidad del Universo DC. Wrightson dibujó los primeros 10 números de la serie. Abigail Arcane, un pesonaje importante en la mitología del título se dió a conocer en el número 3.

DC Comics originalmente pidió a Wrightson encargarse del arte para el relanzamiento de The Shadow, pero dejó el proyecto poco después al darse cuenta que no cumpliría con los tiempos de entrega requeridos, además de continuar con su trabajo en Swamp Thing. Al final, Michael Kaluta ilustró la serie, pero Wrightson contribuyó con una buena parte del tercer número tanto en el trazo como en las tintas, así como con el entintando de una página completa del cuarto número.

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En enero de 1974, Wrightson dejó DC para comenzar a trabajar en Warren Publishing, -la legendaria editorial que publicaba las macabras revistas de terror en blanco y negro Eerie y Creepy- donde producía arte original así como adaptaciones de historias cortas.

Como era su costumbre, Wrightson experimentó con una serie de técnicas en estos relatos en blanco y negro, por ejemplo, para el cuento de El Gato Negro de Edgar Allan Poe, realizó un intrincado trabajo a pluma y tinta que contrastaba enormemente con su trabajo predominantemente a pincel de Swamp Thing.

En 1975, Wrightson se unió a sus compañeros artistas Jeff Jones, Michael Kaluta y Barry Windsor-Smith para formar The Studio, un loft compartido en Manhattan donde el grupo perseguía realizar proyectos creativos fuera de las restricciones del comercialismo de la industria del cómic. Aunque continuó produciendo arte sequencial, en esta época comenzó a producir arte para una gran cantidad de carteles, impresiones, calendarios y hasta libros para colorear. También dibujó de manera esporádica historias cómicas para la revista National Lampoon desde 1973 hasta 1983.

Wrightson pasó siete años elaborando un total de casi 50 ilustraciones increiblemente detalladas a pluma y tinta para una edición de la novela de Mary Shelley, Frankenstein; uno de sus trabajos más hermosos al día de hoy.

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El personaje de cómic “Captain Sternn” fue creado por Wrightson y apareció por primera vez en junio de 1980 en la mítica revista Heavy Metal. La novela gráfica ‘Freakshow’, escrita por Bruce Jones e ilustrada por Wrightson a pluma, tinta, pincel y acuarela, se publicó en España en 1982 y apareció en partes en Heavy Metal durante los siguientes años.

En 1983 Wrightson ilustró la adaptación en cómic de la película de horror Creepshow de Stephen King. Este trabajo lo llevó a colaborar con King y sus novelas en numerosas ocasiones. En 1985 junto con Jim Starlin produjo ‘Heroes for Hope’, un número único destinado a recaudar dinero para ayudar a combatir el hambre en África.

En 1986, Wrightson y la escritora Susan K. Putney colaboraron en una de las más bizarras y terroríficas historias de Spidey en la novela gráfica ‘Hooky’. Ese mismo año volvió a trabajar con Starlin en un segundo cómic benéfico que presentaba a Superman y Batman: ‘Heroes Against Hunger’. Starlin y Wrightson también colaboraron juntos en varios proyectos en 1988, para DC con ‘The Weird’ y ‘Batman: The Cult’ y para Marvel en la novela gráfica ‘Hulk and the Thing’.

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Wrightson también ha ilustrado tarjetas para el juego Heresy: Kingdom Come de Last Unicorn Games y ha participado en portadas de discos para varias bandas, incluyendo a Meat Loaf. En 2005 realizó diseño de producción para los personajes Ravers de la película Serenity.

En 2012 colaboró con Steve Niles en Frankenstein Alive, Alive! publicado por IDW Publishing por el que ganó un premio de la National Cartoonists Society. Durante su carrera ha recibido muchos otros renombrados premios y reconocimientos a su gran trayectoria.

Durante el tiempo que trabajó en Swamp Thing (1973) recibió varias nominaciones a su trabajo como entintador, así como a la mejor historia corta por ‘A Clockwork Horror’ en el mismo título. Junto con Jim Starlin recibió el premio humanitario Bob Clampett por su trabajo en ‘Heroes for Hope’ en 1986. En 2007 recibió el premio H.P. Lovecraft -conocido como el “Howie”- en el Festival de Cine de Portland, Oregon.

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CREEPY • El verdadero horror regresa como revista

Creepy fue una revista en blanco y negro publicada por Warren Publishing, donde se dieron cita los más grandes creadores de la época para contar las más espeluznantes historias de terror.

El número 1 salió a la venta en 1964 y al ser una revista y no un cómic, no requería apagarse al Comics Code Authority (código que autoregulaba la violencia y los contenidos “inapropiados” para el público infantil al que se supone se dirigían las publicaciones). Esta revista en formato de antología contenía varias historias en cada número por equipos creativos diferentes aunque algunos se mantenían con cierta regularidad.

En un principio se publicó de manera trimestral pero más tarde se hizo bimestral. Las historias de cada número eran presentadas por el Tío Creepy, emulando a los terroríficos anfitriones de las extintas publicaciones de EC. En su momento de mayor auge, “tiraba tres millones de ejemplares, que iban no sólo al mercado estadounidense, sino también a Canadá e Inglaterra”.

1385158_529664057118064_1044864084_nOriginalmente la revista estaba planeada para tener 64 páginas pero se redujo a 48. Russ Jones, el editor fundador de la publicación hizo un boceto del anfitrión para la revista y se lo envió al dibujante Jack Davis quien haría la portada del número 1. Y aún no había un título para la revista.

Una noche Jones estaba a solas en su estudio, mirando algunas hojas de ilustraciones de EC, cuando Warren lo llamó, estaba furioso y exigía un título para el Proyecto D (su nombre código). Jones estaba observando un globo sobre una vieja bruja y el texto que tenía impreso “creepy” llamó su atención. Balbuceó la palabra a Warren y eso fue todo, la icónica publicación tenía ahora un nombre.Creepy y su revista hermana Eerie, estaban inspiradas en las legendarias publicaciones de horror y suspenso de EC Comics, desde el uso de un anfitrión hasta el talento de muchos de los creadores que trabajaron en ellas.
En 1965, Russ Jones tuvo una discusión con Jim Warren y dejó la revista. Archie Goodwin, quien ya había escrito la mayoría de las historias y trabajado con casi todos los artistas regulares, tomó su lugar. Goodwin, quien se convertiría en uno de los más destacados escritores, ayudó a establecer a la compañía como una prominente fuerza en el campo de las revistas de cómics en blanco y negro.Algunos artistas que trabajaron para Creepy en esta época incluyeron a Neal Adams, Dan Adkins, Reed Crandall, Johnny Craig, Steve Ditko, Frank Frazetta, Gray Morrow, John Severin, Angelo Torres, Alex Toth, Al Williamson y Wally Wood. Para obtener lo mejor de cada uno de ellos, antes de escribir una historia Goodwin les preguntaba en qué les gustaría trabajar, así no sólo podía obtener lo mejor de cada uno sino que también podía usar estas ideas para las propias historias.Goodwin renunció como editor de Creepy después del número 17 (octubre 1967). Debido a la falta de recursos, la mayoría de los artistas principales dejó la publicación y Warren se vió forzado a utilizar reimpresiones que fueron recurrentes hasta el número 32 (abril 1970). Las cosas comenzaron a mejorar en 1969 con el lanzamiento de la revista Vampirella. Algunos de los artistas originales, incluyendo a Frank Frazetta, Crandall y Wood regresaron, así como Goodwin quien fue editor asociado desde el número 35 hasta el 39 de Creepy.
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Una gran cantidad de editores sucedieron la segunda partida de Goodwin en la publicación. William Dubay, quien comenzaría en Warren como artista, se convertiría en el editor durante los 70’s. Durante estos años la revista y otras de la familia Warren incrementarían su periodicidad a nueve publicaciones por año.A finales de 1971 se dió uno de los mayores desarrollos de este período, cuando artistas españoles representados por la agencia ‘Selecciones Ilustrada’ comenzaron a aparecer en las diferentes publicaciones de Warren. Los artistas españoles dominarían durante los 70’s. Algunos de estos artistas incluían a Esteban Maroto, Jaime Brocal, Rafael Aura León, Martin Salvador, Luis García, Fernando Fernández, José González, José Bea, Isidro Monés, Sanjulián y Enrich Torres.Los números temáticos fueron otro sello característico durante el tiempo de Dubay como editor, algunos de estos incluyeron números de Edgar Allan Poe, especiales navideños y tomos dedicados exclusivamente a un artista en particular. También se introdujeron las primeras historias a todo color, muchas de las cuales fueron realizadas por Richard Corben. También se dió el regreso de algunos de los artistas de la época dorada de Creepy como Alex Toth y John Severin.
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Después del número 116 diferentes editores se hicieron cargo de la publicación hasta que las reimpresiones de números anteriores volvieron a ser frecuentes recopilando el trabajo de un sólo artista en ciertos números. El último número de Creepy por parte de Warren (#145) se publicó en febrero de 1983 y después quebró. Harris Publications compró los derechos poco después y publicó un número único (#146) en 1985.Tras una batalla legal con Harris en el 2000, Warren recuperó los derechos exclusivos de sus dos franquicias más emblemáticas, Creepy e Eerie. En 2007, New Comic Company LLC adquirió estos derechos y poco después llegaron a un acuerdo de sociedad con Dark Horse Comics para reimprimir en formato de libros de pasta dura la colección completa de los números de ambas publicaciones.En julio de 2009 Dark Horse Comics y New Comic Company LLC lanzaron una nueva Creepy con trabajos de Bernie Wrightson, Angelo Torres, Saskia Gutekunst y Jason Shawn Alexander ilustrando guiones de Michael Woods, Dan Braun, Joe Harris y Bill Dubay. Esta publicación continúa y a la fecha lleva 13 números.
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BRIAN BOLLAND • El inicio de la invasión británica

Brian Bolland nació en 1951 en Lincolnshire, Inglaterra y recuerda haberse introducido al mundo de los cómics pasados los 10 años, cuando en 1959 se comenzaron a importar algunos títulos de Marvel y DC, desde un principio fueron los artistas de DC los que llamaron su atención, pilares como Gil Kane, Curt Swan, Joe Kubert, Ross Andru y Nick Cardy son tan sólo algunos de los grandes con los que comenzó su amor por el medio.

En 1969 comenzó a estudiar Diseño Gráfico e Historia del Arte y fue ahí cuando comenzó a dibujar cómics de manera autodidacta. En 1972 Bolland asistió a una convención de cómics en Londres donde conoció a muchos de los hombres clave de la industria en aquellos días, incluyendo a Dave Gibbons con quien formaría una estrecha amistad.

A recomendación de Gibbons, Bolland se uniría a la agencia de arte Bardon Press Features, con la cual pudo trabajar en distintos títulos de manera esporádica, uno de ellos un superhéroe africano llamado Powerman (Gibbons y Bolland trabajarían en el título alternadamente) que se vendería en Nigeria dos veces por mes. En 1977 uno de los agentes de Bardon llamó a Bolland y a Gibbons para enseñarles algunos conceptos para un nuevo cómic de ciencia ficción que saldría al mercado: 2000AD.

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Para el primer número de 2000AD Gibbons fue llamado para unirse con Carlos Ezquerra debido a que Bolland seguía ocupado en el título de Powerman, pero el título bajó su periodicidad de quincenal a mensual y así Bolland pudo aportar su primer trabajo con una portada de 2000AD.

A esa siguieron más portadas y páginas en solitario hasta que se presentó la oportunidad de completar una historia de Judge Dredd a finales de 1977 y muy pronto fue un artista regular en la serie. Durante este inicio en el universo Dredd, Bolland también creó el aspecto de dos de sus más icónicos personajes: Judge Death y Judge Anderson.

Bolland recuerda que de entre los artistas de 2000AD él era por mucho el más lento, pero prefería tardar más para poder entregar un trabajo medianamente bueno antes de salir del paso con cualquier cosa por las prisas. Los editores de 2000AD amaban tanto su trabajo que no lo presionaban para las entregas y en ocasiones tenían historias de “respaldo” para publicar en caso de un retraso.

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Junto con el trabajo que tenía en Dredd, Bolland se dió tiempo para hacer varios cómics de terror e incluso bastante trabajo publicitario, incluyendo una serie de anuncios para juguetes de Star Wars.

Bolland fue uno de los primeros británicos que fueron descubiertos por la industria del cómic en Estados Unidos, y encabezó la llamada invasión británica del ’79/’80. Su primera gran oportunidad se dió cuando conoció a Joe Staton en una convención mientras Staton trabajaba para Green Lantern, Staton necesitaba un lugar dónde quedarse y los Bolland le dieron asilo. Más tarde Staton llamaría a su editor para comentarle que Bolland era un gran fan de Green Lantern y fue así como su primer trabajo para el mercado americano llegó con la portada para Green Lantern #127 en 1980.

Las portadas para Green Lantern continuaron, basadas en trazos de Ross Andru, así como historias complementarias, pero también comenzó a elaborar portadas para Justice League of America y Superman. Durante este tiempo Bolland trabajó al lado de los grandes como Joe Kubert, Carmine Infantino y Gil Kane así como con Jim Aparo, George Pérez y Dick Giordano.

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En 1982, el editor de DC, Len Wein, escogió a Bolland para ser el artista de Camelot 3000, una serie limitada de 12 números, junto con el escritor Mike W. Barr. La historia, una recreación sobre la antigua leyenda del regreso del Rey Arturo para salvar a Inglaterra de una invasión extraterrestre en el año 3000. Esta serie representó por un lado el trabajo más grande de Bolland -y su único intento por dibujar un título mensual- y por el otro fue el primer ejemplo de DC de una maxi-serie.

A Bolland se le permitió elegir un entintador para interiores, pero prefirió entintar sus portadas él mismo. Indignado por habérsele pedido que siguiera los esquemas de Ross Andru para las portadas de los dos primeros números, los ingnoró y presentó sus propios diseños a Len Wein, quien los rechazó y le pidió que se alineara a los de Andru. Resilente a este hecho dibujó la portada para el primer número -pero como protesta volteó la “N” en la firma de su nombre como un código para recordarse a sí mismo que su “integridad artística” había sido vandalizada. Después de eso la “N” volteada le gustó tanto que la mantiene así hasta hoy día.

Camelot 3000 tuvo grandes retrasos en los números finales. Bolland recuerda que él y DC habían hablado sobre los tiempos que le llevaría hacer la serie, y ya que la serie sería entintada por alguien más, comenzó las primeras páginas con gran entusiasmo, pero conforme avanzaba se volvía más y más meticuloso en ellas, queriendo que el final de la historia se viera asombroso. Estos pequeños grandes detalles ocasionaron que los números 8-11 salieran de manera bimestral en lugar de mensual y que el número final saliera nueve meses después del penúltimo número. Esta es la razón principal por la que Bolland se enfocaría a ilustrar únicamente portadas.

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Alrededor de 1986, Titan Books estaba tratando de lanzar una línea de cómics escritos por Alan Moore y hubo pláticas acerca de hacer un ‘Batman conoce a Judge Dredd’ con Alan y él. Con esto en mente y cuando fue claro que Camelot 3000 se había vendido razonablemente bien, el editor de DC Dick Giordano le preguntó a Bolland en qué proyecto le gustaría trabajar ahora. Bolland pensó en términos de quién era su escritor favorito, de ese momento, a qué héroe le encantaría hacer y con qué villano. Básicamente terminó con Alan, Batman y Joker. El resultado fue la popular, influyente y controvertida ‘Batman: The Killing Joke’, publicada en 1988.

El cómic de 64 páginas en formato prestige tomó una considerable cantidad de tiempo en producirse. Tanto Moore como Bolland son bien conocidos por su laborioso y meticuloso trabajo, ambos creadores acababan de terminar maxi series que habían tenido retrasos y Bolland había dejado muy claro que quería hacer el mejor trabajo que le fuera posible. Bolland sintió que el libro superó las expectativas que la recién publicada obra de Frank Miller había sentado y consideró a The Killing Joke una obra publicada por pura vanidad. Para Bolland fue un trabajo muy especial en el que entregó lo mejor de sí, por lo que no es de exrañarse que se sintiera lastimado cuando Moore declarara que para él sólo había sido sólo una historia más de Batman.

Lacerado por esta crítica de Moore, Bolland estaba mortificado por el coloreado y sorprendido por no haber revisado pruebas del mismo antes de su publicación. Habiendo imaginado las secuencias de flashback en blanco y negro para que el lector las ubicara en otro tiempo. Se encontró con “asquerosos y brillantes púrpuras y rosas… y mi hermosa secuencia de flashback se había ahogado en naranjas”. La publicación del libro en 2008 por el 20 aniversario de The Killing Joke, presentó nuevo coloreado por Bolland, restaurando sus intenciones artísticas a la paleta de colores que él había imaginado.

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Aunque sus incursiones en el arte de interiores son mundialmente aclamadas, a Bolland se le ve con mayor frecuencia como ‘sólo’ un artista de portadas -aunque ha declarado que nunca se ha decidido por buscar hacer exclusivamente portadas. Sin empacho ha dicho en muchas ocasiones que trabaja muy despacio, por lo cual le es mucho más fácil entregar portadas que arte para historias completas.

Bolland ha hecho portadas -en muchos casos para corridas completas- para algunos de los más importantes títulos en años recientes, dejando una imborrable impresión en los que ha trabajado. Su trabajo foto-realista siempre está en gran demanda, aunque principalmente se le asocia a títulos publicados por DC Comics.

Ahora Bolland trabaja en la computadora, evitando el lápiz y el papel. Menciona la influencia de Gibbons quien fue “bastante entusiasta al incitarlo a hacerlo”. Cuando se dió cuenta que los coloristas usaban cada vez más la computadora, decidió que si no tenía control total sobre el coloreado, al final sus obras terminarían sin ser totalmente de su autoría. Después de 10 frustrantes meses aprendiendo los gajes de la tecnología encontró que “no hay absolutamente ninguna diferencia entre dibujar en una tableta que en un block de papel”.

Después de su trabajo en ‘The Killing Joke’, DC le pidió hacer las portadas para Animal Man, a lo que accedió pensando que sería unas 10 o algo así. Terminó haciendo 63. Se volvió casi habitual, sabiendo que por lo menos habría un trabajo nuevo suyo para ver allá afuera.

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Bolland también trabajó en un buen número de portadas para Wonder Woman, comenzando con el número 63, y recuerda este tiempo con nostalgia al ser él quien buscara los trabajos en lugar de los trabajos a él. Esto le permitió hacer algo para él en lugar de algo que los demás le pidieran hacer.

El trabajo de Bolland durante las treintaytantas portadas que realizó, sentaron las bases para el posterior tratamiento de Diana por parte de John Byrne. Al prepararse para trabajar, Bolland mantenía recortes de las más hermosas mujeres de la época, centrándose en sus rostros más que en sus cuerpos, pues admite que esos los inventaba.

Con un particular interés en dibujar el uniforme, Bolland comenzó a darse cuenta que este iba despareciendo durante las historia. Cuando Diana regresó a utilizar su famoso atuendo, Bolland produjo una de sus imágenes más reconocidas para la portada de Wonder Woman 72. Esta imagen se hizo tan icónica que DC lanzó un póster con ella e incluso posteriormente se produjo una escultura a escala.

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Bolland menciona que aunque no suele reusar ideas para portadas, de vez en cuando hace lo que llama “homenajes a sus propias portadas”. En especial para el primer cómic que hizo de Judge Dredd para la editorial Eagle -que presentó historias de 2000AD en una entrega especial para el mercado norteamericano- donde la posición de las figuras hace eco a portadas que Bolland ha dibujado dos o tres veces para diferentes compañías con diferentes personajes.

Además de sus largas corridas en Animal Man y The Invisibles, Bolland también produjo varias portadas para The Flash con Geoff Johns y para la antología Batman: Gotham Knights, así como varias portadas para Tank Girl, Superman, Green Lantern, Batman y muchos más, incluyendo varios títulos para la línea Vertigo.

La gran familiaridad con los personajes de DC y los equipos de trabajo, así como su gran demanda han sido factores para que la mayoría de su trabajo se haya desarrollado en DC Comics. En su libro ‘The Art of Brian Bolland’, también menciona que una mala experiencia que tuvo para una portada de Hulk para Marvel UK y posteriormente con una de She-Hulk y Howard the Duck le ocasionaron una “pequeña fobia hacia Marvel”. Sin embargo sí ha producido algunas portadas para Marvel, así como para First Comics, Continuity Comics, Eclipse Comics, New Comics y docenas de otras más, así como arte para libros, revistas y portadas de discos.

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Además de sus incursiones en el mundo del arte de interiores y su posterior trabajo en portadas, Bolland también ha producido una buena cantidad de historias cortas -generalmente de una página-, numerosos pin-ups y un par de ocasionales tiras humorísticas.

En estas últimas, Bolland ha sido escritor/artista, su método preferido de trabajo. Dentro de sus trabajos más notables se encuentran dos “proyectos personales”, Mr. Mamoulian y The Actress and the Bishop, cuyas tiras aparecen recopiladas en el libro ‘Bolland Strips!’ (Palmano-Bennet/Knockabout Comics, 2005). Cuando a Bolland se le propuso hacer un libro con estas tiras, tuvo la idea de incluir también una historia de 20 páginas sin dibujar llamada “The Actress & the Bishop and the Thing in the Shed” (escrita 18 años atrás) y dos historias escritas e ilustradas por él para la línea Vertigo. Despues de negociaciones con DC, ambas historias -“Princess & the Frog” (de Heartthrobs) y “The Kapas” (de Strange Adventures) se incluyeron junto con seis impresiones de edición limitada para Éditions Déesse.

En 2006 se publicó una extensa retrospectiva de Bolland en el libro ‘The Art of Brian Bolland’, que incluye textos del autor, así como cientos de obras y fotografías únicas de su colección particular. Esta obra cubre el trabajo de Bolland con una introducción de su amigo Dave Gibbons, un ensayo autobiográfico y secciones que van desde sus influencias hasta su trabajo por décadas, comenzando desde 1960 hasta los 2000.

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Bolland es también un hábil fotógrafo (ejemplos de su trabajo se incluyen en su libro ‘The Art of Brian Bolland’). Su trabajo además es muy cotizado en el mundo de la publicidad, Bolland ha producido piezas para varias librerías especializadas y festivales de cine.

Su trabajo también ha vestido portadas de numerosas publicaciones a lo largo de las décadas, desde fanzines hasta varias portadas para la revista londinense ‘Time Out’ y muchas otras más publicaciones internacionales.

También ha hecho carteles para grupos locales de teatro y producciones independientes, de las más recordadas fue para una producción de ‘Beauty and the Beast’.

El trabajo de Bolland le ha valido inumerables premios en la industria, entre ellos varios Premios Eisner como mejor portadista.

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BATMAN: EL TRATO

Una extraordinaria historia corta sobre la eterna relación amor/odio entre Batman y Joker. Creada por Gerardo Preciado y Daniel Bayliss como un trabajo de amor y pasión por estos personajes.

Poniendo nuestro granito de arena para los fans de habla hispana, la presentamos aquí con edición y traducción autoría de Camaleón Cómics.

¡¡¡Disfruten de esta pequeña obra maestra y compártanla con sus amigos!!!

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